DOKBIZIA, documental dentro y fuera de la sala de cine

En 2018 nació DOKBIZIA, un encuentro interdisciplinar que pretende provocar un cruce entre lenguajes y artistas que trabajan en torno a lo real. Este programa, que atiende a lo documental dentro y fuera de la pantalla, plantea un itinerario de diversos formatos: proyecciones, teatro, conferencias performativas, un taller y una sesión de “cine para los oídos”.

Las actividades de DOKBIZIA tendrán lugar en Baluarte, el Teatro Gayarre y el Planetario de Pamplona.

El artista interdisciplinar libanés Rabih Mroué presentará la conferencia no académica “Make Me Stop Smoking”, además del taller que impartirá en el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte y la conversación que mantendrá con la académica y curadora Aurora Fernández Polanco, previamente anunciados dentro del programa de Punto de Vista Labs. Carlos Casas regresa al festival después de su participación en 2018 para realizar una sesión de “cine para los oídos” en el Planetario y presentar su última película, “Cemetery”. La comisaria y cineasta Hila Peleg, que forma parte del jurado de la Sección Oficial, dará la conferencia “Uncut: del archivo de películas de Gordon Matta-Clark”, en la que mostrará fragmentos de películas y vídeos del artista estadounidense.


PROGRAMA COMPLETO DE DOKBIZIA

Rabih Mroué. Conferencia no académica “Make Me Stop Smoking”. Baluarte

En “Make Me Stop Smoking”, Mroué reconstruye el paisaje radicalmente heterogéneo del Líbano, destruido por crisis y guerras. Reúne innumerables documentos anónimos y personales, vídeos, fotografías, recortes de periódico y relatos de testigos para dar forma a un complejo sistema de sinuosas narraciones.

Así se cuestionan la veracidad y la contundencia de los documentos de archivo; el artista negocia la validez de la reconstrucción de la «realidad». ¿Qué sucede cuando un paisaje perdido es reapropiado a través de sus representaciones archivadas?

Rabih Mroué. Nacido en Beirut y residente en Berlín, Mroué es director de teatro, actor, artista visual y dramaturgo. Es cofundador del Beirut Art Center (BAC) y colaborador de la revista TDR/ The Drama Review. Ha actuado y expuesto a nivel internacional en dOCUMENTA (13), MoMa y el Centro Pompidou, entre otros.


Hila Peleg. Conferencia “Uncut: del archivo de películas de Gordon Matta-Clark”. Baluarte

El artista Gordon Matta-Clark (1943-1978) consideraba que la arquitectura era dinámica por naturaleza, parte de un sistema político y social más amplio, condicionado por factores económicos, culturales y medioambientales en constante cambio. Su obra, basada en una aguda observación, era una respuesta crítica a las contradicciones que se producían con la desindustrialización y la llamada renovación urbana. El trabajo más icónico de Matta-Clark consiste en una serie de incisiones meticulosas y monumentales en edificios abandonados y en ruinas. Estos «cortes en edificios» demuestran el potencial que tienen las personas y los grupos para establecer espacios, estructuras y sistemas alternativos y autodeterminados. Matta-Clark ideó una elaborada práctica documental para representar las distintas fases y dimensiones de su intervención arquitectónica como forma de transmitir la actividad física y la energía extrema invertida en la transformación y posterior demolición de los edificios. La comisaria Hila Peleg analizará su reciente proyecto de exhibición y presentará contenido de rollos de película y vídeos originales que contienen primeros cortes, tomas eliminadas y montajes de trabajo procedentes del Archivo de Gordon Matta-Clark del Centro Canadiense de Arquitectura (CCA).

Hila Peleg es curadora y cineasta, y forma parte del jurado de la Sección Oficial de Punto de Vista 2020. Ha comisariado exposiciones en solitario, exhibiciones grupales a gran escala y eventos culturales interdisciplinares en programas relacionados con las artes visuales, el cine y la arquitectura. Entre 2010 y 2014 fue directora artística del Foro de Documentales de Berlín. Más recientemente ha comisariado documenta 14. También ha dirigido documentales, como A Crime Against Art (2007) y Sign Space (2016). Ha editado el libro Documentary Across Disciplines y actualmente es comisaria de la Haus der Kulturen der Welt, en Berlín.


Carlos Casas. Sesión “Ojo sonoro”. Planetario de Pamplona

El programa “Ojo sonoro” se compone de cuatro piezas sonoras cortas que han ejercido una influencia clave en el trabajo de Carlos Casas y que, de alguna manera, han moldeado el desarrollo de su último proyecto “Cemetery”. El Planetario de Pamplona acogerá una sesión de “cine para los oídos” que incluirá:

Sanctuary
Chris Watson, 2020, 40’
«El viaje desde un santuario de elefantes hasta un cementerio de elefantes, y más allá. La obra recoge sonidos grabados en lugares de todo el mundo, desde Islandia a Borneo, de Burma a Namibia, en la profundidad de los mares, donde los océanos se encuentran con los desiertos de África. Siguiendo la narrativa de la película “Cemetery”, de Carlos Casas, esta pieza es un proyecto en curso de la banda sonora de la película presentada hoy como un evento sonoro en vivo». (C.W.)

Presque rien n°1, le lever du jour au bord de la mer
Luc Ferrari, 1967–1970, 21’
«Tras la total desaparición de los sonidos abstractos, podemos calificar esta pieza como una instantánea sónica y la culminación de una evolución. Es una representación realista (tan fiel como fue posible) de un pueblo pesquero despertándose. La primera idea del minimalismo». (L.F.)

Benthic Storm
Francisco López, ‎1993, 8’ (parte de “Azoic Zone”)
«Un paisaje sonoro que propone un viaje a la vida y condiciones de los organismos abisales». (F.L.)

L'Œil écoute
Bernard Parmegiani, 1970
«Desde el primer momento, cuando oímos la música que procede del interior de un tren, el viaje que ofrece esta pieza desencadena en nosotros el poder de la imaginación por encima de los sonidos, el poder de guiarlos a través de laberintos secretos en vez de tener que seguirlos ciegamente como Panurge. Este tipo de contemplación (auditiva) nos propone dejarnos llevar y alejarnos de territorios demasiado familiares y comunes». (B.P.)

Carlos Casas. Cineasta y artista cuyo trabajo transita entre el cine documental, el arte sonoro, la videoinstalación y lo performativo. Casas desarrolla paisajes sonoros para explorar temas relacionados con el mundo natural, la memoria y la muerte. Sus películas han sido proyectadas y premiadas en festivales de todo el mundo, como el FIDMarseille, Venecia, Róterdam o BAFICI. También ha exhibido su trabajo en la Tate Modern en Londres, el Centro Pompidou y la Fundación Cartier en París, el Pirelli HangarBicocca en Milán y el Centro de Cultura Contemporánea en Barcelona (CCCB).


Carlos Casas. Proyección “Cemetery”. Baluarte

El artista Carlos Casas traza el viaje de un elefante y su "mahout" (cuidador) a un cementerio de elefantes sagrado y oculto. A medida que avanzan hacia el mítico lugar a través de la jungla, surgen preguntas sobre la muerte, la reencarnación, la inmortalidad y el lugar donde se encuentran las tradiciones hindú y budista. "Cemetery" es una película profundamente sensorial sobre la memoria, el colonialismo, la extinción y los lugares que no aparecen en los mapas. Una road film guiada por una voz en off, los increíbles sonidos de la jungla y una profunda investigación relacionada con el lenguaje de los elefantes. "Cemetery" es un réquiem por lo desconocido, por lo que queda por descubrir, por nuestro Shangri-La.


Oligor y Microscopía. Obra de teatro de objetos documentales “La melancolía del turista”. Teatro Gayarre

"La melancolía del turista" es la descomposición de los instantes y objetos que conforman la idea de un paraíso, una galería de espejismos sobre lo que queda detrás de un paisaje sublimado que ya no existe o que nunca existió. Creada y realizada por Shaday Larios y Jomi Oligor, la obra cuestiona la vida de las imágenes que se asocian con el descanso y lanza una mirada crítica al imaginario de la vacación.

La melancolía surge aquí como estado de consciencia que acontece en un momento de suspensión de la inercia en la vida, y que nos permite reinventarnos. Se aborda el quiebre, ese detenimiento que descompone los procesos de constituirse como un extranjero; el impulso que nos coloca en una situación autocrítica durante la parafernalia típica de un viaje, lo que acontece en quien ya no reconoce el lugar en el que vive debido a la gentrificación, las transformaciones del deseo al contrastar imaginarios entre ciudades en decadencia que una vez fueron paraísos turísticos, y el cuestionamiento de la materialidad que intenta prefijar la idea del recuerdo con el souvenir y la fotografía.

Creación, realización e interpretación: Shaday Larios y Jomi Oligor
Colaboración poética: Ángel Hernández
Colaboración inventiva: Ivan Puig
Colaboración musical y sonora: Suetszu & Jayrope

Microscopía Teatro es un grupo-laboratorio de investigación escénica mexicano que trabaja con las atmósferas de lo íntimo a través de objetos, maquetas, muebles, juguetes, mecanismos y sombras. También desarrolla proyectos de inclusión social y de filosofía de la escena a través de los valores de la miniaturización y las facultades disociativas del teatro de objetos.

Oligor es una compañía dedicada a la poética de los objetos que fue creada a partir del espectáculo Las tribulaciones de Virginia. En el 2012 ambas se asocian para indagar en las posibilidades documentales de la materia.


Jessica Sarah Rinland. Película "Those That, at a Distance, Resemble Another". Baluarte

"Those That, at a Distance, Resemble Another" plantea una reflexión sobre la infinita sensibilidad de la conservación museológica y ecológica, invitándonos a pensar sobre formas de representación, réplicas y encarnaciones de diversos materiales, disciplinas e instituciones. Rinland muestra el fascinante trabajo de un grupo de restauradores; y se contagia de su paciencia infinita al retratar largas secuencias de la preparación de moldes o la imitación de texturas, poniendo el foco en la reproducción de un colmillo de elefante.

Jessica Sarah Rinland. Cineasta argentino-británica, ha mostrado su trabajo en galerías, festivales y universidades como el festival de Nueva York, Londres BFI, Mar del Plata, Róterdam, Oberhausen, Edimburgo, Bloomberg New Contemporaries y Somerset House. Ha recibido, entre otros, el primer premio de la Bienal de la Imagen en Movimiento, el premio Arts and Science en el Ann Arbor Film Festival,y el premio M.I.T’s Schnitzer de excelencia en las artes. Rinland ha sido artista residente en MacDowell Colony, Kingston University, Locarno Academy y Berlinale Talents. Actualmente es artista asociada en Somerset House Studios y Film Studies Center Fellow en la Universidad de Harvard.


Lynne Sachs. Proyección, charla y lectura de poesía “Mi cuerpo, tu cuerpo, nuestros cuerpos: el cine somático en casa y en el mundo”

¿Cómo manejamos el hecho de fotografiar imágenes en las que aparece el cuerpo? ¿Qué contingencias experienciales, políticas o estéticas trasladamos a la creación y contemplación de un cine que contiene la forma humana? Si un cuerpo es diferente al nuestro —en cuanto a sexo, color de piel o edad—, ¿lo encuadramos de manera diferente? Lynne Sachs revela al público su propia evolución como cineasta compartiendo fragmentos de sus películas; y explora el apabullante y complicado desafío de mirar el cuerpo humano desde detrás de la cámara. Inspirada por las «películas corporales» y autorretratos performativos del artista conceptual Vito Acconci, Lynne empezará a interactuar con la audiencia una hora antes de la charla con la elaboración de un vídeo en directo.

Lynne Sachs, cineasta y poeta, vive en Nueva York. Hace películas, instalaciones, performances y proyectos web que exploran la intrincada relación entre sus observaciones personales y experiencias históricas más amplias, entretejiendo poesía, collages, pintura, política y diseño de sonidos estratificados. Firmemente comprometida con el diálogo entre la teoría y la práctica cinematográficas, busca la interacción rigurosa de la imagen y el sonido, insistiendo en las texturas visuales y acústicas de su obra en todos y cada uno de sus nuevos proyectos.